Top 10 - 1996

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La neige transforme le territoire américain en paysage abstrait, l’action s’engourdit dans une absurdité cruelle, et l’idiotie fait son œuvre. Chez les Coen, métaphysiciens sous cape, éthologues de la ruralité profonde, ce n’est pas une blague à prendre à la légère. Elle confronte à un trou noir, obéit à une terrible logique, et lorsqu’elle revêt les visages de la cupidité et de la violence, il ne reste plus qu’à ramasser les cadavres, et à rire de la spirale de l’échec pour ne pas en pleurer.

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Une voix frêle s’élève au milieu du tumulte des éléments déchaînés et du rigorisme de la communauté presbytérienne : celle de Bess, touchée par la grâce. Telle une sainte laïque, elle ira candide jusqu’au bout d’un chemin de croix pavé d’hostilité et de turpitude sexuelle. Écorché, lumineux, travaillé par les questions de la croyance et de l’amour fou, le film marie l’incandescence des sentiments et l’assomption à une spiritualité vécue de manière extrêmement physique. On en sort en morceaux.

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Tel Tom Cruise retenu par un filin, entre sol et plafond, le renard De Palma accomplit un exercice de haute voltige. Car cet éblouissant divertissement est la pierre de touche théorique d’un édifice qui approfondit ses perpétuelles questions : qu’ai-je vraiment vu ? quand ai-je été leurré ? Il s’agit de remonter le fil d’Ariane, d’appréhender l’essence des images et leur mystification, en souscrivant à un pur instinct de jeu : la jubilation absolue. Brian, comment tu fais pour être un génie ?

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Fluidité organique du réseau routier, érotisme glacé, tôle et chairs mêlés. Le film est comme un prototype post-humain, la reconfiguration de la sexualité par un être cybernétique qui en téléchargerait des informations, découvrirait notre relation avec la voiture et les associerait en un algorithme erroné. Au-delà de cette vision apocalyptique du devenir-machine frémit la douleur d’êtres désemparés qui cherchent à assumer leur nature mutante en la déplorant, et à vivre leur amour malgré tout.

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Les personnages de Rohmer sont souvent lestés d’une histoire à poursuivre, d’une idée fixe frisant l’obsession. Gaspard est au contraire un indécis dont le désir reste à inventer. C’est l’enjeu du récit qui, en suivant la découpe des côtes bretonnes, en accordant la clarté de sa mise en scène aux hésitations du héros, invente tout un système de réponses différées et de rébus inachevés. Pour mieux célébrer le bonheur d’une promenade ensablée ou d’une chanson improvisée dans les embruns.

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C’est un conte, enraciné dans la réalité mais contenant sa part de mythologie – le père, ombre rugueuse et imprévisible, n’y est autre que l’Ogre. Sept petits poucets y sont couvés par la présence bienfaitrice de la mère, bottes rouges et tablier flapi, qui puise dans son amour la force de réenchanter la vie. Il arrive alors, à Noël, que l’on oublie le froid, la faim, la pauvreté, et que les éléments de cette nature hostile rythmant le travail du quotidien revêtent les couleurs de la féérie.

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Beaucoup n’y voient que les ratiocinations nombrilistes d’une caste d’intellectuels parisiens. L’accusation n’est pas sans fondement mais entérine l’audace d’un auteur qui prend tous les risques – celui d’agacer, de se faire mal comprendre, de perdre le contrôle d’une histoire-fleuve, romanesque, littéraire, inépuisable comme un grand livre ouvert. Dans ses pistes lumineuses comme dans ses couloirs obscurs s’y joue au plus juste la musique de nos désirs, de nos lâchetés et de nos renoncements.

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Tim Burton n’est pas un méchant, et s’il prend pour cibles certaines sacro-saintes valeurs de l’Amérique, c’est la ferveur avec laquelle il embrasse toute sa ménagerie qui enchante. Chasseur des trésors les plus humbles, enyclopédiste de garage doté d’un goût exquis pour le spectacle arc-en-ciel et les collages contre-nature, il invente des rêves en solde avec des jouets cassés. Et c’est beau comme le baiser, parmi des Martiens en caleçons, d’une tête coupée et d’une femme au corps de chien.

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Partagé entre sa fascination révulsée pour sa violence et son désir de pureté, le sanguin cinéaste italo-new-yorkais peint un huis-clos pétrifié où rôdent en permanence les forces du mal. Les femmes forment un sage chœur méditatif, les hommes sont mus par des névroses qui menacent d’exploser dans le sang, la famille est un ventre de tourments avec seule la mort au bout du chemin. Tragédie écrite par Sophocle, éclairée par Rembrandt et mise en scène par Ferrara : un bon petit film de genre, quoi.

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À deux doigts du vaudeville, à une encablure du mélo, en imposant une style dénué de ce réalisme paresseux et machinal qui nous inflige tant d’images sans regard, Mike Leigh raconte la famille, le quotidien du couple, les rapports intergénérationnels, la difficulté de communiquer, le poids des cadres sociaux. C’est un concentré d’intelligence et d’humour, de pudeur et d’humanité, qui joue à merveille de la comédie "tranches de vie" pour mieux puiser au plus juste des êtres et de leurs relations.