Top 10 - 2022

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Sans la moindre concession au sentimentalisme, en cultivant une lucidité sans nostalgie qui refuse autant le douteux plaisir de la défaite que la facilité du renoncement, Gray raconte comment la trivialité d’une histoire adolescente se généralise en principe moral, comment l’anecdote débouche sur la structuration future de chaque être dans la société des hommes, comment ses héros se condamnent à errer en naufragés dans un monde qu’ils n’ont pas su accorder à leurs rêves. Subtil et bouleversant.

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Les rêves font peur et l’art fait mal. Mais lorsqu’on réfléchit vingt-quatre fois par seconde, cela donne un film léger et grave, émouvant et enchanteur, par lequel un immense artiste s’autorise, au soir d’une carrière sans égal, à ouvrir en grand les portes de son cœur. Investissant la création comme maison à vivre et instrument de reconquête du monde, il enseigne à quel point comprendre celui-ci revient à accepter de grandir, à continuer de regarder à juste distance ce qui se présente à soi.

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Chacun est persuadé d’avoir vécu durant sa jeunesse la plus belle période du monde. C’est la sienne que le réalisateur réécrit à travers cette errance rêvée entre des états crépusculaires, hommage molletonné et chavirant sur une ballade de Joe Dassin. Trempé dans la ouate, le film cristallise ainsi un temps, un lieu, une mémoire, les convoque à la manière d’un carnet d’archives intimes, en redistribue subtilement les composantes et contribue à les fonder en vérité. On appelle cela une saudade.

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Portrait vertigineux d’une femme confinée dans sa bulle mégalomaniaque, trop exceptionnelle pour se soumettre au regard de la société, et dont la complexité s’offre majestueusement à reconstituer : quand vient l’ultime image, on est toujours en train de peler l’oignon. Tout de coulées galvaniques, d’ellipses hantées, de nuances de gris, le film saisit l’air du temps avec une acuité magistrale, et anéantit l’enfer feutré d’un microcosme artistique en préservant notre totale liberté de jugement.

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Qui fixe les limites du jeu social, qui dicte sa loi ? De quel prix paie-t-on le refus de répondre sur leur terrain à la violence des agresseurs ? Voici plusieurs questions posées par ce film sinueux, torve, suffocant, où la terre humide absorbe les larmes retenues de la souffrance, où la forêt dissimule un esprit de clocher délétère, où les roches matent toute révolte en provenance de l’extérieur. Et de cette tension attisée dans la braise surgit un miroir saisissant de l’insécurité humaine.

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Avoir un enfant ou non, le sien biologique ou celui d’un autre : telle est la situation à laquelle est confrontée Rachel, quarante ans bien tassés, amoureuse d’un père comblé. Servi par des orfèvres de l’incarnation, le film emprunte au mélo pour mieux dynamiter les lieux communs. Dessiner pareil portrait de femme, avec ce que cela suppose de maturité, d’intelligence, de sentimentalité premier degré, n’est pas à la portée de tout le monde. En frappant au cœur, Zlotowski l’accomplit avec éclat.

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Tout réussit à ce film. La précision millimétrée d’un style agencé comme un ballet de trompe-l’œil, une sphère d’attraction. La mosaïque cinégénique d’un suspense vampirisé par les affects. La volupté de l’osmose perpétuellement empêchée du flic et de la veuve. Park a retenu la leçon de "Vertigo" selon laquelle l’amour est affaire d’imagination, dut-elle s’enflammer et couvrir d’un flot de lave endeuillée celui qui en est la proie, quitte à se réveiller avec les longues intermittences des volcans.

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On pourrait être dans une version dégradée du "Parrain", sans flingue ni dignité. Voire chez Molière, avec ce vieil avare accroché à ses pièces d’or. Lacérant un patriarcat à bout de souffle, portant en bandoulière l’humour féroce du désespoir, Roustayi nous plonge dans un récit dans à haute intensité dramatique qui ballotte d’arnaques pyramidales en promesses non tenues, de transactions en pertes et de leurres en humiliations. Et même s’il invite à tuer le père, il n’empêche pas de le pleurer.

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Du cirque à l’abattoir, sous les caresses et les coups de pied, sur-expressif dans son mutisme de bête qui n’en pense pas moins, l’âne divague, s’enfuit, se perd, saute d’un désordre à l’autre. Faute de référence ou de comparaison probante, c’est à une épopée dionysiaque que l’on pourrait assimiler ce film cubiste, speed, drogué, dont l’énergie figurative et l’animisme hallucinés trahissent une assurance que l’âge du réalisateur, loin d’affaiblir, renforce au point d’exploser tous les possibles.

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Cela pourrait se situer aujourd’hui ou dans les eighties, être signé par un Claude Lelouch inspiré ou un serviteur émérite de la comédie italienne. Glissant avec brio entre les registres intimement rapprochés du suspense et du sentiment, Garrel réussit avec ce divertissement de première tenue, que traversent une envie partageuse de cinéma et l’inquiète insouciance de la jeunesse, à raconter cet art étrange de s’épanouir en se fuyant, de devenir pleinement soi-même en jouant le rôle d’un autre.